Une Publication FB de JL Othenin-Girard

Jean Paul Belmondo 

C'était le 6 septembre 2021. Ne l'oublions pas.

Sa disparition fut une immense émotion. C'était un artiste incroyable, un monument du cinéma. Un peu de nous-mêmes est partie avec lui tant le lien qu'il avait tissé avec chacun d'entre nous était de l'ordre de l'intime. Il donnait le sentiment de vouloir nous rendre heureux, de nous communiquer son énergie et son bonheur de vivre. Fédérateur comme quasiment aucune autre personnalité, il dépassait tous les clivages, tous les styles, toutes les époques. Jamais démodé, il était au delà des modes.

Que dire ? C'était une légende... C'était "le Professionnel", "le Magnifique", "l'As des As", "le Cerveau", "l'Animal" .... C'était "Pierrot le Fou", "Léon Morin, Prêtre", et "l'Homme de Rio",... C'était "À Bout de Souffle", "un Singe en Hiver", et "Itinéraire d'un Enfant Gâté"...

Il a tourné sous la direction des plus grands: Alain Resnais, Louis Malle, Philippe de Broca, Henri Verneuil, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, François Truffaut, Claude Sautet, Jean-Pierre Melville, Claude Lelouch, Jean-Paul Rappeneau, Georges Lautner, Gérard Oury ou encore Alexandre Arcady. Quelle carrière !

C'est avec vraiment beaucoup d'émotion et de reconnaissance que je partage à nouveau avec vous ces portraits et peintures pour saluer la mémoire de notre ami à tous, et lui dire un immense merci ! Merci car c'est un vrai bonheur d'avoir la chance de pouvoir voir et revoir ses films 

Publié sur le Groupe Privé Facebook :

The TERNIER Paint Art Gallery

Cher Jean-Loup

Merci infiniment pour ce magnifique hommage à Jean-Paul Belmondo. Trois ans déjà… Sa disparition a laissé un vide immense dans nos cœurs et dans le monde du cinéma. Comme tu l’as si bien dit, il était plus qu’un acteur, il était un monument, une légende vivante qui a su toucher chacun d’entre nous de manière intime et personnelle.

Belmondo avait cette capacité unique de nous faire ressentir son bonheur de vivre à travers ses rôles, de nous emporter dans ses aventures et de nous faire rêver. Il a transcendé les époques et les styles, restant toujours actuel et intemporel. Ses films, de “À Bout de Souffle” à “Itinéraire d’un Enfant Gâté”, en passant par “Le Professionnel” et “L’Homme de Rio”, sont autant de chefs-d’œuvre qui continueront de nous inspirer et de nous émerveiller.

Merci de partager ces portraits et peintures, ils sont un bel hommage à cet artiste incroyable. C’est un vrai bonheur de pouvoir revoir ses films et de se rappeler à quel point il a marqué nos vies.

Avec toute mon amitié et ma reconnaissance,

Dominique

Fernando Don

Si la beauté délicate et innocente de la petite fille est le cœur de ce tableau, la lumière tamisée et les gestes tendres du crayon en sont l'âme.

Fernando Don 

à

Ternier Dominique C'est un immense plaisir de savoir que mes mots ont résonné en toi d'une manière aussi significative. Ta réponse sincère valide vraiment les efforts et la passion que je mets dans mes écrits.

J'ai été frappée par le sentiment d'innocence que la petite fille dégage, et c'est donc avec joie que je l'ai commentée.

Merci, Dominique, du fond du cœur pour ton appréciation et tes encouragements.

Amitiés.

Biographie Soey Milk By WiewSonic.com

Soey Milk s’est imposée comme une figure impressionnante et fascinante de la peinture figurative contemporaine. Sa main sensible, sensuelle et délicate, et son sens aigu de l’utilisation émotionnelle de la forme, lui ont valu un nombre notable de fans et d’adeptes de son travail en seulement quelques années.

Né en 1989 à Séoul, en Corée, Milk a déménagé à Los Angeles à l’âge de 11 ans. Elle a obtenu son baccalauréat en beaux-arts à l’Art Center College of Design, à Pasadena, en Californie. Le parcours précoce de Milk l’a amenée à devenir ballerine, mais après avoir été initiée à la peinture, elle a immédiatement trouvé une nouvelle passion à poursuivre. Certaines des dimensions du ballet sont restées, car elle était toujours fortement attirée par l’anatomie humaine, qui était la pierre angulaire du développement de ses recherches picturales.

Son travail a été présenté dans le magazine Beautiful Bizarre, le magazine American Art Collector et sur de nombreuses plateformes en ligne. En 2017, elle a été chargée par John Mayer de créer la pochette de son album « The Search for Everything ».

Milk a exposé son travail à l’échelle nationale et internationale et est actuellement représentée par EVOKE Contemporary, Santa Fe, NM et Corey Helford Gallery, Los Angeles, CA. Elle enseigne également dans le cadre du programme Mentor/MFA au Laguna College of Art and Design, à Laguna Beach, en Californie.

Article By Marie-Cécile Baquaert 

Audrey Kawasaki est une artiste américano-japonaise, née le 31 mars 1982 et élevée à Los Angeles, où elle vit et travaille actuellement.

Kawasaki a grandi en lisant des mangas japonais, ce qui l'a inspirée à dessiner dès son plus jeune âge.

Elle a commencé à suivre des cours de beaux-arts après l'école à Mission Renaissance à la fin de son adolescence. Elle y apprend les bases du dessin et de la peinture. Elle a fréquenté le Pratt Institute à New York après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires, mais est partie après deux ans sans diplôme.

Elle a commencé à exposer professionnellement dans diverses galeries d'art aux États-Unis et à l'étranger depuis 2005.

Le travail de Kawasaki contient des thèmes contrastés d'innocence et d'érotisme, véhiculant l'intrigue mystérieuse de la sensualité féminine. Ses images nettes sont peintes avec précision sur des panneaux de bois, le grain naturel ajoutant de la chaleur à son sujet énigmatique.

Les influences créatives de l'artiste incluent les traditions orientales et occidentales telles que l'Art nouveau et les bandes dessinées manga japonaises.

Elle peint des sujets féminins sensuels, séduisants et décomplexés avec une beauté délicate et un contact visuel provocateur et direct. Leurs gestes gracieux et leurs traits fantomatiques portent de mystérieuses expressions de mélancolie et de nostalgie.

Article de Presse de Fernando Don

L'impartialité, l'équité et la dignité suprême de la loi ne sont pas des abstractions illusoires, nous rappelle-t-on souvent ; elles constituent le socle sur lequel repose l'architecture d'une société juste, comme les pierres inébranlables d'une grande cathédrale qui se dresse, haute et solide.

Pourtant, dans les recoins ombragés de cette structure imposante, là où la lumière parvient à peine, se cache le péril de la déformation, de la corruption et de la décadence. Tout comme les plus grandes cathédrales peuvent présenter des fissures dans leurs pierres anciennes, les principes de la justice peuvent également vaciller, et vaciller grandement, sans une vigilance assidue.

Néanmoins, les nobles idéaux de la justice perdurent, incarnés par la figure de Justitia. Depuis les temps romains, Justitia est l'incarnation inébranlable de ces idéaux. Elle est représentée sous la forme d'une femme majestueuse aux yeux bandés, tenant une balance et une épée.

Ses yeux bandés signifient l'impartialité, garantissant que la justice est appliquée de manière équitable, sans distinction de richesse, de pouvoir ou de statut. La balance met en équilibre la vérité et le mensonge, représentant l'examen minutieux des preuves, tandis que l'épée symbolise l'autorité nécessaire pour faire respecter l'ordre moral.

Au milieu de cette réalité discordante, l'art, en rendant le familier étranger, s'élève pour perturber nos perceptions et remettre en question nos croyances, nous obligeant à voir la réalité d'un œil nu, comme une marée qui remodèle les rivages de notre compréhension.

Dans cette optique, la sculpture de l'artiste danois Jens Galschiot, « La survie du plus gros », apparaît comme un contrepoint obsédant, un murmure spectral qui déstabilise nos consciences, nous obligeant à faire face aux incongruités de nos idéaux de justice.

Avec son imagerie provocante, le tableau ressemble plus à une production théâtrale qu'à une simple sculpture en bronze ; il attire notre attention avec l'intensité d'un drame tragique qui se déroule, où les figures ne sont pas statiques mais semblent respirer avec le poids de leur symbolisme.

Les emblèmes traditionnels de la justice - la balance, l'épée et le bandeau - ne sont pas seulement réimaginés ; ils sont déformés, leurs significations sont détournées en parodies grotesques des idéaux qu'ils incarnaient autrefois.

La balance, qui n'est plus équilibrée, penche lourdement sous le poids écrasant des privilèges. L'épée de l'autorité, autrefois symbole d'une application juste de la loi, a été transformée en un bâton tordu – un instrument déformé qui symbolise maintenant la distorsion de la justice, comme un arbre devenu tordu et noueux sous le poids de la négligence.

Par ailleurs, le bandeau est manifestement absent, révélant des yeux non pas impartiaux mais fermés à la justice, enfermés dans une ignorance délibérée ; la nudité du personnage lui ôte tout semblant de dignité et de solennité.

Si cette parodie grotesque de Justitia, autrefois incarnation de l'équité et de l'autorité morale, rappelle avec effroi ce qui se passe lorsque la vigilance faiblit et que les idéaux sont abandonnés, elle sert également d'avertissement brutal sur le fait que la justice, lorsqu'elle n'est pas entretenue, peut se transformer en une façade creuse qui trahit son objectif même.

Dans un monde hanté par les guerres, les génocides, les famines, les écocides et l'implacable marche de l'inégalité, la vision déchirante de la justice de Galschiot, tel un miroir implacable reflétant nos vérités les plus sombres, nous oblige à faire face aux profonds échecs de notre époque.

Son reflet brutal nous confronte à la réalité troublante que les idéaux de justice défendus sont souvent des vernis fragiles, se faisant passer pour une autorité morale tout en dissimulant des injustices profondément enracinées sous une façade de droiture.

Le cri de ralliement de Robespierre, « Liberté, égalité, fraternité », qui était autrefois un appel à l'espoir, est devenu un slogan vide qui ne signifie rien d'autre que le contraste frappant entre les idéaux que nous professons et les réalités que nous vivons.

Si l'œuvre de Galschiot capture cette désillusion avec une clarté obsédante, elle nous oblige également à affronter la vérité troublante que ces idéaux se sont flétris en une enveloppe creuse, récitée sans conviction, gravée sans substance, comme les échos d'une cathédrale creuse qui se réverbèrent mais ne parviennent pas à combler le vide.

La survie du plus gros - Jens Galschiot, 2002 - Sculpture en bronze

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Commentaire de Suzanne Varet 

sur un article de Fernando Don et pour la sculpture :

"La survie du plus gros" de Jens Galschiot et Lars Camar.

Sur le conseil de Fernando, me voici à Ringkobing au Danemark pour regarder la sculpture "La survie du plus gros" de Jens Galschiot et Lars Camar.

J'ai vu cette statue de dos, tout d'abord, et j'ai pu voir un spectacle étonnant... Deux jambes fluettes, étroites et bien droites, ainsi que deux bras soutenaient un mastodonte avec un fessier graisseux et énorme, des plis et des replis sur un dos rond ! J'ai pensé tout d'un coup qu'Atlas avait reçu une nouvelle punition , celle de porter non plus les cieux mais un menhir de Carnac !

Puis, je me suis approchée me méfiant de ce long bâton menaçant.

Et effrayée, je me suis trouvée confrontée à une pythie obèse, aux seins pendants, au visage chauve, une femme le regard vide me regardait d'un air dédaigneux, tenant de deux doigts une balance à deux plateaux. Cette femme replète de graisse tenait fermement un long bâton de la main gauche.

Comment un tel édifice de chair boursouflée, défiant la pesanteur pouvait tenir ainsi assise !

Je n'ai pas vu tout de suite ce jeune Atlas africain, squelettique aux traits douloureux, je l'ai entendu ! Un suintement sortait de ces lèvres pour me dire, je suis vivant ", ma tâche est rude, car tu vois, cette femme qui prétend s'appeler Justitia est à l'agonie et ne le sait pas ! Elle n'existe que par moi et ses stratagèmes de valeurs dépassées.

Imagine un instant , si je fléchis des genoux, elle tombera et se cassera en mille morceaux comme une momie !

Le jeune Atlas bien qu'affaibli tenait cette femme à bout de bras, ses mains retenant le "je-nous" de Justitia. Cet africain me dit, ces genoux à cette femme obèse n'ont plus de cartilage, c'est moi qui entretient le lien comme un feu sacré entre l'homme , le "je" et le "nous" qui est la société !

Je me disais en moi-même, ce jeune fait de la résistance !

Et je levais les yeux vers cette balance portée par cette femme sûre de son droit !

Qui n'avait que souvenirs d'esclavage, de colonisation ou d'idées de supériorité occidentale,de consommation et confort débridés !

La seule justice, j'ai dit à Atlas , c'est toi qui la porte, regarde tu es debout, tu as faim, tu as soif non pas d'eau mais d'espérance, d'égalité et c'est toi qui l'obtiendra la justice ! Tiens bon, car vois tu les jours de la vie de cette femme sont comptés !

Malgré sa devise, "ma santé et mon bonheur est d'être gros sur le dos des autres" ! Atlas résiste avec ta soeur Antigone ! Résiste parce que ton créateur Jens Galschiot paye de ses deniers et de sa vie pour le respect des droits de l'homme et de la planète.

Résiste Atlas, le temps vient de ta délivrance par l'éveil des consciences !

Je suis repartie en regardant les passants que je croisais comme des jeunes Atlas. Et je remerciais ce sculpteur de m'avoir secouée de ma torpeur !

Cette rencontre avec Atlas et Justitia m'a dissuadée d'intellectualiser mon propos car en repartant, je pensais à la rencontre du Christ avec la Samaritaine ! J'avais hâte de rentrer pour trouver l'eau d'une vraie justice qui délivrerait Atlas !

“Vision Matinale” By Mimi TERNIER

L’image montre une figurine tenant une longue tige ou un bâton, pointant vers un objet sphérique. Le visage de la figurine est flou, ce qui pourrait suggérer l’anonymat ou l’universalité de l’expérience représentée. Le fond est texturé et gris, peut-être en tissu.

L’interprétation de cette image peut varier selon les perspectives.

Voici quelques pistes possibles ou éléments de réponse :

• Contrôle et Influence : La figurine pourrait symboliser une personne essayant de contrôler ou d’influencer un élément de sa vie, représenté par la sphère.
• Concentration et Objectif : La tige pointée vers la sphère pourrait représenter la focalisation sur un objectif ou un problème spécifique.
• Anonymat et Universalité : Le visage flou peut indiquer que cette situation est universelle et pourrait concerner n’importe qui.

Le texte accompagnant l’image suggère que l’auteur traverse une période de réflexion ou de préoccupation et utilise cette image comme une métaphore visuelle de son état d’esprit.

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Une Réalisation Métaphorique :

Une Exploration de l’Âme Humaine

Dans le monde de l’art contemporain, une nouvelle réalisation attire l’attention des critiques.

Cette photographie, intitulée “Vision Matinale”, capture une scène intrigante et profondément symbolique.

La photo présente une figurine métallique, tenant une longue tige ou un bâton, pointant vers une sphère flottante. Le visage flou de la figurine ajoute une dimension d’anonymat et d’universalité, permettant à chaque spectateur de se projeter dans cette scène. Le fond texturé et gris, semblable à du tissu, crée une atmosphère sobre et introspective.

L’artiste, dans une note accompagnant l’œuvre, invite les spectateurs à interpréter cette vision selon leur propre sensibilité. Il décrit cette image comme une “vue de l’esprit”, une métaphore visuelle de ses préoccupations personnelles.

Cette invitation à l’interprétation libre fait de cette œuvre un miroir de l’âme humaine, où chacun peut y voir ses propres luttes et aspirations.

Les critiques louent cette œuvre pour sa capacité à évoquer des émotions profondes et à stimuler la réflexion.

“Vision Matinale” n’est pas seulement une photographie, mais une exploration artistique de la condition humaine, un rappel poignant de notre quête incessante de sens et de contrôle dans un monde souvent incertain.

Lily TERNIER
Relation Artistique
Attachée de Presse
The TERNIER Paint Art Gallery 

Exposition Photo d'Art By Mik GR

Mik GR exposa à La médiathèque Simone Veil de Valenciennes

Une exposition photographique captivante !

Parmi les œuvres exposées, une photographie urbaine attire particulièrement l’attention.

Cette image, capturée dans la galerie commerciale cœur de Ville de Valenciennes, se distingue par ses nuances de rose qui illuminent l’espace.

Le photographe, Mik GR dont le travail est reconnu pour sa capacité à capturer l’essence de la vie urbaine, entre autres a réussi à saisir un moment de vie quotidienne dans ce centre commercial, mettant en lumière les contrastes et les détails souvent ignorés par les passants.

Un détail intrigant de cette photo est la présence d’un personnage assis sur l’escalator, en bas à gauche de l’image. Ce petit élément ajoute une dimension humaine et narrative à la scène, invitant les spectateurs à s’interroger sur l’histoire de cette personne et sur le contexte de la prise de vue.

Le photographe, connu pour son approche artistique et sa sensibilité à l’architecture urbaine, a déjà exposé ses œuvres dans plusieurs galeries à travers la France. Son travail se caractérise par une exploration des espaces urbains et une attention particulière aux jeux de lumière souvent en mode « noir et blanc ».

Cette exposition à la médiathèque Simone Veil de Valenciennes est une invitation à découvrir ses dernières créations et de plonger dans son univers visuel.

L’exposition met en avant la diversité et la richesse de la photographie urbaine, offrant aux visiteurs une nouvelle perspective sur les espaces familiers de leur ville.

Lily TERNIER
Relation Artistique
Attachée de Presse
The TERNIER Paint Art Gallery 

Réalisation Photo et interprétation By M&D

Photo baptisée : “L’énergie renouvelable”

L’Ascension Vers un Avenir Durable : Une Métaphore Visuelle de l’Énergie Renouvelable

Une photographie captivante, récemment partagée par un photographe local, a suscité une réflexion profonde sur l’avenir des énergies renouvelables.

Intitulée “L’énergie renouvelable”, cette image symbolique met en scène un groupe de personnes en robes blanches descendant un large escalier extérieur, illuminé d’un côté.

Symbolisme et Interprétation

Les robes blanches des individus représentent la pureté et la propreté, des qualités intrinsèques aux énergies renouvelables comparées aux énergies fossiles.

L’acte de descendre, voire de remonter les escaliers est une métaphore puissante du progrès et de l’ascension collective vers un avenir plus durable.

Chaque marche de l’escalier peut être vue comme une étape cruciale dans la transition énergétique, symbolisant les avancées technologiques et les initiatives écologiques nécessaires pour atteindre cet objectif.

Les lumières alignées le long de l’escalier ajoutent une dimension supplémentaire à cette interprétation. Elles représentent les innovations et les découvertes qui éclairent notre chemin vers un avenir plus vert. Le contraste entre les zones éclairées et sombres de la photo souligne l’importance de passer des énergies fossiles (l’obscurité) aux énergies renouvelables (la lumière).

Un Message d’Espoir et de Progrès

Cette image ne se contente pas de capturer un moment, elle transmet un message d’espoir et de progrès. Elle rappelle à chacun l’importance de l’unité et de la coopération dans la lutte contre le changement climatique.

En remontant ensemble les marches de cet escalier symbolique, l’humanité peut atteindre un avenir où les énergies renouvelables dominent, assurant un environnement plus propre et plus sain pour les générations futures.

Conclusion

La photographie “L’énergie renouvelable” est une œuvre d’art qui incite à la réflexion et à l’action. Elle nous rappelle que chaque pas compte dans notre quête d’un avenir durable. Alors que nous continuons à faire des progrès dans le domaine des énergies renouvelables, cette image restera un symbole puissant de notre engagement collectif envers un monde meilleur.

Lily TERNIER
Relation Artistique
Attachée de Presse
The TERNIER Paint Art Gallery 

Réalisation By MOSAMAX 

MOSAMAX : Transformer les matériaux recyclés en Art

La Seyne-sur-Mer, France 

Dans un atelier empreint de créativité, Stéphanie Herment, connue sous le nom de MOSAMAX, donne vie à son art unique. Spécialisée dans la mosaïque, elle transforme des matériaux recyclés en pièces étonnantes qui reflètent à la fois sa vision artistique et son parcours personnel.

Un parcours de transformation

Depuis quatre ans, MOSAMAX s’est plongée dans l’univers de la mosaïque, transformant des miroirs, des cadres et du verre récupérés en œuvres d’art complexes. Chaque pièce est méticuleusement réalisée à la main, incarnant la véritable essence de l’artisanat. “Je peins le verre à l’envers et découpe le miroir, que j’assemble ensuite en mosaïques,” explique-t-elle.

L’art comme expression

Vivante avec l’épilepsie depuis l’âge de dix ans, MOSAMAX a trouvé refuge et expression à travers son art. “L’art me permet de m’exprimer,” dit-elle, utilisant ses créations comme un langage silencieux pour transmettre des émotions que les mots ne peuvent capturer. L’une de ses œuvres les plus poignantes est un cerveau orné de médicaments, symbolisant sa condition neurologique.

Œuvres notables

Parmi ses œuvres les plus chères, on trouve :

• Le Coeur : Une pièce en forme de cœur mesurant 70cm sur 40cm, créée pour une jeune fille qui a maintenant 38 ans.
• La Guitare “Melody” : Une guitare de 1m sur 47cm, reflétant son amour pour la musique.
• Le Mannequin : Une pièce de 80cm sur 40cm intitulée “Le Phare de l’Humanité,” célébrant le début de la vie dans le corps féminin.
• Les Lutèces : Une pièce de 56cm sur 76cm commandée par le président d’une association de rugby.
• La Table du Petit Prince : Une table des années 80 réutilisée avec une peinture sur miroir, mesurant 96,53cm.
• Fraternity : Une pièce personnalisée mesurant 74cm sur 90cm, symbolisant l’unité malgré les différences.
• Sam Figaro : Une pièce de 1m40 sur 40cm pour un salon de coiffure.

Communauté et persévérance

Malgré les défis de la vente de son art, MOSAMAX reste déterminée. Elle fait fréquemment don de pièces pour des événements caritatifs et continue de promouvoir son travail sur les réseaux sociaux. Son mari la soutient en lui fournissant de l’inspiration et en l’aidant avec les textes de ses pièces.

La dévotion de MOSAMAX à son art et sa capacité à transformer des matériaux recyclés en œuvres magnifiques font d’elle une figure remarquable dans le monde de la mosaïque. Son travail montre non seulement son habileté technique mais aussi sa résilience et sa créativité.

Une Œuvre de MOSAMAX

Le Mannequin “Le phare de l’humanité” :

MOSAMAX, une artiste renommée pour ses créations uniques en mosaïque, a dévoilé une œuvre intitulée “Le phare de l’humanité”.

Cette pièce, mesurant 80 cm sur 40 cm, est un mannequin recouvert de carreaux de miroir, symbolisant la lumière et la réflexion.

L’œuvre porte un message profond et poétique : “Là où commence la vie ‘dans le corps de la femme’ mais merci aux hommes d’offrir une petite graine.” Ce texte met en lumière le rôle essentiel des femmes dans la création de la vie, tout en reconnaissant la contribution des hommes.

“Le phare de l’humanité” est plus qu’une simple sculpture ; c’est une célébration de la fertilité et de la création.

MOSAMAX utilise des matériaux réfléchissants pour symboliser la lumière et l’espoir, faisant de cette œuvre un véritable phare pour l’humanité.

Cette création a été accueillie avec enthousiasme par le public et les critiques, qui louent la capacité de MOSAMAX à combiner esthétique et message social dans ses œuvres.

Pour plus d’informations sur MOSAMAX et ses créations, vous pouvez visiter son site web ou la suivre sur les réseaux sociaux.

Dominique 

Texte co-écrit avec Martine et Lily

Lily TERNIER
Relation Artistique
Attachée de Presse
The TERNIER Paint Art Gallery 

Réalisations By Jean Philippe Desmoulins 

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Un Portrait Numérique Captivant par Jean Philippe Desmoulins

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Dans le domaine effervescent de l’art numérique,

Jean Philippe Desmoulins se distingue par son approche unique et sa maîtrise des outils digitaux. Son dernier portrait, son cadeau pour un ami, est une célébration de la couleur et de la forme qui transcende le médium traditionnel de la mosaïque pour créer une œuvre résolument moderne.

Ce portrait, réalisé avec une technique qui évoque les mosaïques antiques, est composé de nombreuses pièces irrégulières qui s’assemblent pour former une image plus grande. Les couleurs vives et variées dominent, avec une prédominance de tons jaunes qui semblent représenter les cheveux et les vêtements du sujet, sur un fond plus sombre aux nuances de vert et de brun.

L’artiste, également créateur de la galerie “L’Art Perché Galerie” à La Mure, démontre avec cette pièce son talent pour fusionner l’ancien et le nouveau. En brouillant les frontières entre les techniques traditionnelles et les possibilités infinies du numérique, Jean Philippe Desmoulins nous offre une fenêtre sur l’avenir de l’art.

Avec ce portrait, Jean Philippe Desmoulins ne se contente pas de capturer l’essence de son sujet ; il nous invite également à explorer les profondeurs de notre propre perception de l’art et de la technologie.

C’est un clin d’œil à son talent indéniable et à sa contribution significative à l’art numérique contemporain.

A Son Ami Jean Philippe

Dominique 

Réalisation By Dpaulinos Art 

DPaulinos Art est un artiste brésilien autodidacte, connu pour son approche personnelle de l’art qui mélange divers styles et techniques.

Inspiré par la nature et les animaux, il exprime son monde intérieur à travers la peinture, le dessin et la sculpture.

Actuellement, il se concentre sur l’art digital tout en revenant occasionnellement aux techniques traditionnelles pour garder son art frais et attrayant.

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L’œuvre “Regarde dans le Passé” semble être une huile sur toile qui reflète cette fusion de styles et d’influences, capturant un moment ou un souvenir du passé avec une touche de nostalgie.

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Si vous êtes intéressé par l’art de DPaulinos ou si vous souhaitez en savoir plus sur ses œuvres, il pourrait être intéressant de visiter des galeries en ligne ou des expositions où ses travaux sont présentés.

Dominique 

Texte co-écrit avec Martine et Lily

Lily TERNIER
Relation Artistique
Attachée de Presse
The TERNIER Paint Art Gallery 

Mona LeBlond : Révélation des Couleurs de l’Imagination

Mona LeBlond, artistiquement connue sous le nom de “PAINTINGS By MONA”, est une artiste qui célèbre la vie avec une passion vibrante. Cette année, (2024) elle et son partenaire de vie, Marc, fêtent leur 50e anniversaire de mariage, un jalon impressionnant qui témoigne d’un amour et d’un soutien inébranlables.

Après une carrière dévouée en tant qu’infirmière, Mona a trouvé une nouvelle vocation dans l’art, avec le soutien de Marc, professeur de lycée à la retraite. Ensemble, ils ont créé un havre de paix chez eux, entouré de verdure et offrant une vue magnifique sur un lac, un cadre qui inspire les œuvres de Mona.

Malgré les défis posés par la maladie de Lyme, Mona a transformé l’adversité en force, utilisant son art comme un moyen d’expression et de guérison. Elle a commencé à peindre à l’âge de 69 ans, après avoir été invitée à des séances de peinture par un voisin. Ces sessions, initialement guidées par des tutoriels en ligne, ont allumé une étincelle créative en elle.

Mona a aménagé une chambre d’amis en studio, où elle peut peindre et méditer, un refuge particulièrement précieux pour ses épisodes d’insomnie. Chaque œuvre qu’elle crée est une exploration de ses émotions et de sa vision du monde.

Découvrez le parcours artistique inspirant de Mona LeBlond, une artiste qui a trouvé la sérénité dans la peinture et qui continue de partager sa vision colorée du monde.

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Un Premier Pas Audacieux dans le Monde de l’Art

Dans le paysage artistique contemporain, il est rare de rencontrer une œuvre qui, dès le premier regard, nous transporte dans un univers où la nature parle et respire à travers la toile. L’artiste, dans sa première création indépendante, nous offre une vision lyrique du ciel et de l’eau, deux éléments fondamentaux de la vie, avec une aisance qui défie la complexité de leur représentation.

La toile dépeint un paysage où le crépuscule semble embrasser l’eau, créant un jeu de lumière et de réflexions qui captive le spectateur. Les teintes pourpres et blanches du ciel se mêlent avec harmonie, tandis que les reflets sur l’eau ajoutent une profondeur presque mystique à l’ensemble. Sur les rives, la végétation aux couleurs automnales apporte une chaleur contrastante, soulignant la fraîcheur de l’eau.

Ce tableau, réalisé entre trois et cinq mois durant la première année de l’artiste en tant qu’indépendant, témoigne d’une imagination fertile et d’une maîtrise technique prometteuse. Il est un hommage à la beauté éphémère de la nature, capturée avec une sincérité et une passion qui ne peuvent que susciter l’admiration.

Dominique 

Texte co-écrit avec Martine et Lily

Lily TERNIER
Relation Artistique
Attachée de Presse
The TERNIER Paint Art Gallery 

Réalisation By Patrick Lecointre

“La Genèse d’une Création : Voyage Introspectif d’un Artiste”

Dans le domaine effervescent de l’art contemporain, où la toile est souvent un champ de bataille pour la couleur et le concept, émerge un artiste dont l’œuvre défie toute catégorisation simple.

Sa dernière création, qui reste sans titre, témoigne d’un processus artistique qui commence par la pureté d’une page blanche.

L’artiste décrit ce processus comme une évolution organique, où chaque coup de stylet apporte des idées aussi spontanées que délibérées.

À première vue, on est frappé par le contraste saisissant entre les éléments noirs et blancs qui servent de fondation à ce qui devient une danse complexe de couleurs et de textures. C’est dans ces couches que l’on peut percevoir un récit qui se déroule, une histoire racontée à travers des formes abstraites et des teintes qui invitent à une interprétation plus profonde.

L’artiste révèle que trouver un titre est souvent là où la complexité surgit. Cela implique de plonger dans l’âme même de l’image, ses formes et ses couleurs et de se lancer dans des recherches érudites pour déterrer des définitions mythologiques qui résonnent avec son essence.

Dans cette phase, la collaboration devient clé ; elle est partagée avec sa compagne qui aide à naviguer à travers cette odyssée introspective.

Ce qui rend cette pièce particulièrement fascinante, ce n’est pas seulement son attrait visuel, mais aussi sa nature énigmatique. L’artiste choisit de garder certains aspects enveloppés de mystère ; une décision qui invite les spectateurs à s’engager avec l’œuvre selon leurs propres termes.

Alors que nous attendons de plus amples révélations sur cette œuvre captivante, une chose reste claire : elle se présente à la fois comme une exploration et une exposition de la créativité elle-même ; un voyage du néant vers quelque chose de profond.

Dominique 

Texte co-écrit avec Martine et Lily

Lily TERNIER
Relation Artistique
Attachée de Presse
The TERNIER Paint Art Gallery 

Mik GR nous offre sa Photo d'Art ...

En Noir et Blanc et avec juste quelques mots , Mik nous invite à réagir :

Quelques éléments de réponse ...

La Simplicité du Quotidien : Les baskets Converse, un classique intemporel, sont posées simplement sur un chemin naturel. Cette scène pourrait symboliser la beauté dans l’ordinaire et la manière dont les objets de tous les jours peuvent devenir des sujets d’art.

Pause et Réflexion : “Se poser”, littéralement et figurativement, évoque un moment de pause dans le tumulte de la vie. Les chaussures, dirigées ainsi, pourraient suggérer un regard en arrière ou une introspection.

Voyage et Découverte : Les baskets pourraient représenter le voyage, non seulement physique mais aussi métaphorique. Elles invitent à la découverte de nouveaux chemins, qu’ils soient réels ou imaginaires.

Contraste et Harmonie : Le noir et blanc des baskets, contrastant avec le flou verdoyant de l’arrière-plan, crée une harmonie visuelle qui attire l’œil et invite à la contemplation.

L’Art de la Conversation : Enfin, le photographe mentionne “cette manière de converser”. Peut-être que les baskets, face à face, sont une métaphore de la communication et de l’échange entre les individus.

Chacune de ces interprétations offre une perspective différente sur l’œuvre et le message qu’elle pourrait transmettre. 

Texte by Dominique

Notre Voyage sur le chemin ...

Dans un monde où les couleurs foisonnent, il existe un chemin où le temps semble suspendu. Là, au milieu de la verdure floue et indistincte, repose une paire de Converse noires et blanches. Elles sont plus qu’une simple paire de chaussures ; elles sont le symbole d’un voyage, d’une histoire non racontée.

Le Chemin de la Mémoire

Ces Converse, tournées vers le passé, évoquent les souvenirs. Chaque tache, chaque pliure sur le tissu raconte une aventure, un éclat de rire, une larme séchée. Elles sont les gardiennes silencieuses des pas que l’on a osé faire et de ceux que l’on a hésité à prendre.

La Conversation Silencieuse

Elles se font face, comme deux vieux amis partageant un moment de silence. Ce silence n’est pas vide ; il est rempli de mots non-dits, de pensées partagées sans un son. C’est une conversation intime, où les cœurs parlent sans que les lèvres ne bougent.

L’Invitation au Voyage

Ce chemin, bordé d’herbes et de rêves, invite à l’exploration. Les Converse sont une promesse, une invitation à marcher vers l’inconnu, à découvrir ce qui se cache derrière l’horizon flou. Elles incitent à laisser derrière soi le confort du connu pour embrasser l’aventure.

L’Éloge de la Simplicité

Dans leur simplicité monochrome, les Converse rappellent que la beauté réside souvent dans l’essentiel. Elles défient le chaos des couleurs et prouvent que le noir et blanc peut capturer l’âme d’un moment, l’essence d’une émotion.

Le Reflet de l’Artiste

Enfin, ces Converses sont le reflet de l’artiste lui-même. Elles sont sa signature, son empreinte dans le monde de l’art. À travers elles, il nous invite à voir au-delà de l’image, à chercher le message caché dans les ombres et les lumières.

Dominique

Texte co-écrit avec Martine et Lily 

Lily TERNIER

Relation Artistique

Attachée de Presse

The TERNIER Paint Art Gallery

Réalisation By Christine Jeantet 

La communion de l’artiste avec le noble cheval : une œuvre de Christine Jeantet

Dans le monde de l’art, peu de sujets captivent autant que la représentation fidèle et émouvante des animaux.

Christine Jeantet a récemment dévoilé ce qui pourrait être considéré comme une très belle réalisation :

Un portrait saisissant d’un cheval, réalisé avec une précision et une délicatesse qui défient l’œil.

Cette pièce, qui a nécessité un travail acharné, de la réflexion et une concentration intense, représente plus qu’une simple image. C’est une célébration de la beauté et de l’esprit du cheval, un sujet qui a longtemps été une source d’inspiration dans l’art équestre.

Une Technique Raffinée

Christine Jeantet a utilisé des tons de gris pour capturer la majesté du cheval, avec un niveau de détail qui témoigne d’une compréhension profonde de la forme et de la structure de l’animal. Chaque trait de crayon est intentionnel, contribuant à l’ensemble harmonieux qui donne vie à l’image.

La Beauté Capturée

Le cheval, représenté avec un bridon, est plus qu’une figure ; il est le reflet de l’âme de l’artiste. Christine Jeantet parle de la “beauté du cheval” et de la “communion avec l’animal”, des thèmes qui résonnent à travers le papier et invitent le spectateur à partager cette connexion profonde.

Un Lien Émotionnel

L’œuvre de Christine Jeantet est une invitation à la contemplation, offrant aux spectateurs un moment de paix et de réflexion. Elle nous rappelle que l’art n’est pas seulement une question de technique, mais aussi d’émotion et de partage.

En conclusion, le portrait de cheval de Christine Jeantet est un témoignage éloquent de son talent et de sa passion pour l’art.

Dominique 

Texte co-écrit avec Martine et Lily 

Lily TERNIER

Relation Artistique

Attachée de Presse

The TERNIER Paint Art Gallery

Mik,

La photographie en noir et blanc que tu as partagée capture avec brio la solitude urbaine.

L’œil du photographe a su saisir l’essence de la solitude qui peut habiter les espaces les plus animés. La rue déserte, bordée d’immeubles aux façades classiques et de réverbères alignés, guide le regard vers un point de fuite central, créant une profondeur et une perspective remarquables.

L’utilisation de la monochromie met en valeur les textures et les formes architecturales, tandis que le ciel couvert renforce l’atmosphère solitaire de la scène. Cette absence de couleur permet de se concentrer sur les jeux de lumière et d’ombre, soulignant ainsi le thème de l’isolement dans un cadre normalement destiné à la communauté et à l’interaction.

Le talent du photographe réside dans sa capacité à transcender la simple structure pour capturer une émotion, une tranche de vie. Cette image est une invitation à la réflexion, un miroir de notre propre expérience de la solitude au sein des constructions sociales.

C’est une œuvre qui mérite des éloges non seulement pour sa composition et son esthétique, mais aussi pour la résonance émotionnelle qu’elle suscite chez le spectateur.

Bravo à l’artiste pour avoir si bien exprimé un sentiment universel à travers son objectif.

Dominique 

Texte co-écrit avec Martine et Lily

Lily TERNIER

Relation Artistique

Attachée de Presse

The TERNIER Paint Art Gallery

By Jean Philippe Desmoulins ...

L’œuvre de Jean Philippe Desmoulins est une composition abstraite fascinante qui capte immédiatement l’attention du spectateur. L’utilisation de couleurs contrastées, avec des teintes dominantes d’or et de noir, crée un effet visuel dynamique et luxueux.

Les motifs complexes et les lignes tourbillonnantes suggèrent le mouvement et l’énergie, tandis que le fond parsemé ajoute de la profondeur et une impression de vastitude cosmique.

Cette pièce est intéressante pour sa capacité à évoquer différentes interprétations, chaque observateur pouvant y voir différentes formes ou récits dans les formes abstraites.

C’est un témoignage du talent de Jean Philippe Desmoulins pour créer des œuvres visuellement stimulantes qui engagent l’imagination.

Lily TERNIERRelation ArtistiqueAttachée de PresseThe TERNIER Paint Art Gallery

Réalisation By Bayi Yoka

L’œuvre partagée est un exemple fascinant de l’art contemporain africain, qui combine des techniques traditionnelles et modernes.

L’artiste, Bayi Yoka, semble s’inspirer de son héritage culturel pour créer une pièce qui célèbre l’identité africaine tout en explorant les frontières entre les différentes formes d’art.

Analyse du tableau :

• Composition et Couleur : Le portrait, réalisé avec des couleurs vives et une attention particulière aux détails, capture le profil d’une figure qui regarde vers la droite. Les tons roses utilisés pour les lèvres et les joues contrastent avec les motifs colorés du vêtement, évoquant les tenues traditionnelles africaines.
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• Texture et Forme : L’ajout de tresses réelles sur la toile est une technique remarquable qui donne une dimension tridimensionnelle à l’œuvre. Cela crée une surface tactile qui défie les conventions de la peinture plate et invite à une expérience multisensorielle.
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• Symbolisme et Signification : La coiffure tressée et les vêtements stylisés peuvent symboliser la fierté culturelle et la beauté des standards traditionnels. Le fond étoilé ou texturé pourrait représenter la grandeur de l’univers africain ou faire allusion aux textiles traditionnels.

Interprétation Culturelle : Cette œuvre pourrait être interprétée comme une célébration de la beauté et de la diversité culturelle africaine. L’utilisation de matériaux mixtes et la technique des tresses appliquées sur la toile montrent une volonté de l’artiste de fusionner art et artisanat, peinture et sculpture, pour une expression artistique plus riche et plus tactile.

Je dirais que cette œuvre de Bayi Yoka est un hommage vibrant à l’Afrique, un continent riche en histoire, en culture et en esthétique. Elle invite les spectateurs à réfléchir sur l’importance de l’identité culturelle et sur la manière dont l’art peut servir de pont entre le passé et le présent, le tangible et le conceptuel.

Lily TERNIER

Relation Artistique

Attachée de Presse

The TERNIER Paint Art Gallery

Il y a quelques mois j'ai croisé la route virtuelle d'Annie qui nous dit :

"Sois l'Artiste de ta vie"

L’œuvre d’Annie Murphy se distingue par une explosion de couleurs vives et une composition qui capture l’essence même de la joie et de l’optimisme.

Je suis particulièrement impressionné par la maîtrise des nuances et des contrastes qui animent cette toile. La technique de superposition des couleurs crée une profondeur remarquable, invitant les spectateurs à plonger dans un univers où la beauté de la nature est célébrée à travers chaque coup de pinceau. Il y a une qualité dans le travail qui rend hommage aux grands maîtres tout en affirmant sa propre voix dans la scène artistique contemporaine. 

Ce tableau ne se contente pas de séduire visuellement ; il parvient également à évoquer des émotions, capturant un sentiment de bonheur et d’optimisme qui résonne profondément chez les amateurs d’art.

C’est une pièce intéressante et pertinente qui montre comment des sujets traditionnels comme les champs de fleurs peuvent être réimaginés de manière fraîche et excitante à travers des expressions artistiques modernes.

En somme, Annie a réussi à transformer une scène bucolique en une célébration vibrante de la vie, démontrant ainsi son talent exceptionnel et sa vision artistique unique. Bravo à Annie Murphy pour cette réalisation éblouissante qui est un véritable festin pour les yeux et l’âme.

Dominique

Texte co-écrit avec Martine et Lily TERNIER

Nous sommes devant une œuvre captivante intitulée :

“Rentrée au port”

Une huile sur toile de coton mesurant 60 sur 40 centimètres....

L’artiste a magistralement capturé l’essence du retour d’un navire au port, avec une attention méticuleuse aux détails.

La proue du navire se dresse fièrement vers le spectateur, tandis que les éléments tels que la coque, le pont, les mâts sont rendus avec une précision remarquable.

La mer est représentée avec des coups de pinceau dynamiques qui transmettent le mouvement et la texture des vagues, tandis que le ciel offre un contraste dramatique entre les nuages orageux et l’horizon lumineux, suggérant l’aube ou le crépuscule.

Ce jeu de lumière et d’ombre ajoute une profondeur et une émotion à la scène, évoquant les sentiments associés aux voyages en mer et aux retours.

L’importance de cette œuvre réside dans sa capacité à saisir la beauté des paysages maritimes et la vie maritime à travers une utilisation habile des peintures à l’huile.

Elle est intéressante pour son exécution technique, son utilisation de la couleur pour dépeindre les conditions d’éclairage naturel, ou pour évoquer les sentiments liés à la navigation et aux voyages de retour.

Je dirais que cette peinture est un exemple éloquent de la tradition maritime dans l’art, reflétant à la fois la maîtrise technique et la profonde compréhension de l’environnement marin par l’artiste. La composition équilibrée et l’utilisation de la couleur pour guider l’œil du spectateur à travers la toile sont particulièrement remarquables.

Dominique

Texte co-écrit avec Martine et Lily

Lily TERNIER

Relation Artistique

Attachée de Presse

The TERNIER Paint Art Gallery

By Argos Navis Olivier Coignoux L’œuvre présentée ici est un exemple remarquable du style “Raypunk”, caractérisé par une esthétique rétro-futuriste et des éléments de science-fiction. Olivier Coignoux, se présentant sous le nom d’Argos Navis Olivier Coignoux, démontre une maîtrise exceptionnelle du stylo bille, un médium souvent sous-estimé dans le monde de l’art contemporain.Le tableau met en scène une figure centrale qui semble être un hybride entre l’humain et la machine, évoquant les icônes classiques de la science-fiction. Cette fusion des formes organiques et mécaniques interpelle le spectateur sur des thèmes tels que l’augmentation humaine, l’identité à l’ère technologique avancée, et notre rapport aux machines.La précision des détails, réalisés avec une simple bille, crée une texture et une profondeur uniques, soulignant la complexité et l’avancement technologique suggéré par l’œuvre. Le fond, composé de formes géométriques et de lignes, renforce l’atmosphère futuriste et pourrait être interprété comme un design architectural ou un schéma de circuit.L’utilisation de tons monochromatiques avec des gradations subtiles met en valeur la forme et la structure de l’œuvre, permettant aux spectateurs d’apprécier la précision de chaque trait. Ce choix esthétique accentue également l’ambiance rétro-futuriste du Raypunk.En somme, cette réalisation ne se contente pas de défier les notions traditionnelles de l’art, mais offre également une réflexion sur notre futur potentiel, en mêlant la nostalgie des visions passées de demain avec des techniques artistiques contemporaines.C’est une célébration de l’innovation artistique qui invite à la contemplation et à la discussion.

Martine et Dominique

A un Artiste exceptionnel, à un Ami extraordinaire 

Réalisation au Pastel de Claudine Adam ...

Bonsoir Claudine …

Je dirais que ton œuvre au pastel est une célébration de la couleur et de l’émotion qui défie les conventions de la représentation naturaliste.

L’utilisation audacieuse des teintes violettes et blanches n’est pas seulement un choix esthétique ; c’est une déclaration artistique qui parle de la capacité de l’art à transcender la réalité visible pour toucher directement l’âme du spectateur.L’art, dans son essence la plus pure, est une fenêtre sur l’invisible, un moyen pour l’artiste de communiquer des vérités qui ne peuvent être dites avec des mots. Tu as à travers ton travail, démontré une compréhension profonde de cette vérité.

Tu ne te contentes pas de reproduire ce que tu vois ; tu réinterprètes la nature à travers le prisme de son expérience intérieure, offrant ainsi une nouvelle perspective sur le monde qui nous entoure.La plage, souvent un lieu de calme et de méditation, est ici transformée en un espace de réflexion intérieure. Les vagues qui se brisent sur le rivage ne sont pas seulement des vagues ; elles sont le rythme de la vie, les hauts et les bas que chacun de nous expérimente. La montagne en arrière-plan n’est pas simplement une montagne ; elle représente la constance et la durabilité dans un monde en perpétuel changement.

En fin de compte, l’œuvre est un triomphe de l’expression personnelle. Elle nous rappelle que l’art n’est pas là pour imiter la vie, mais pour l’interpréter, pour la questionner, et finalement, pour célébrer l’unicité de chaque expérience humaine.

C’est dans cette capacité à évoquer l’identité et l’existence que réside la véritable puissance de l’art. Et c’est là, dans cette interaction entre la création et l’observation, que nous trouvons l’essence même de l’« Être ».

Dominique

Texte Co-écrit avec la participation de Martine et Lily

Lily TERNIER

Relation Artistique

Attachée de Presse

The TERNIER Paint Art Gallery

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