Le FABULEUX VOYAGE de Titi

L’ART COMME VOUS NE LE VERREZ NULLE PART AILLEURS

Un point de vue résolument engagé vers un autre esprit pour vous donner un éclairage nouveau sur les œuvres et les artistes d'hier et de demain ...

Les peintures rupestres sont les premières traces de peinture dans l'histoire.

Nos Coups de Cœur 

Les éclats de nos passions 

Jacques-Louis David, né le 30 août 1748 à Paris et mort le 29 décembre 1825 à Bruxelles, est un peintre français de style néoclassique, qui fut notamment peintre officiel du Premier Empire à partir de 1804 et dut s'exiler à Bruxelles en 1816, pendant la Seconde Restauration à cause de son activité politique pendant la Convention.

En 1774, il obtient le prix de Rome et part étudier en Italie. Il revient à Paris en 1780 où il peint des sujets antiques dans le style néoclassique. 

Lorsque David revient en France, en 1780, il a acquis une maturité qui éclate dans son tableau Bélisaire reconnu par un soldat (1781), puis dans celui qui marque son entrée à l'Académie royale de peinture (1784), la Douleur et les regrets d'Andromaque sur le corps d'Hector.

Le néoclassicisme apparaît vers la fin du XVIIIe siècle. Jacques-Louis David s'inspire notamment de la légendaire Rome antique et se base sur de sérieuses études archéologiques. Il y a une recherche de perfection et de vertu. Les peintres vont même jusqu'à modifier la réalité pour la rendre plus parfaite.

Pendant la Révolution, David joue un rôle important dans la vie artistique française : élu député de la Convention en 1792, membre du Comité d’Instruction publique, il est le principal ordonnateur des fêtes révolutionnaires. Régicide, montagnard proche de Robespierre, il devient membre du Comité de sûreté générale. Il connut notamment François Hodler qu'il aida à obtenir un logement et un atelier au Louvre.

Emprisonné après la chute de Robespierre, il est libéré en 1792 et devient peintre officiel de l'Empire en 1804.

Sous la Restauration, son passé de révolutionnaire régicide et d'artiste impérial lui vaut d'être exilé. Il se réfugie à Bruxelles et continue jusqu'à sa mort en 1825 son activité artistique.

A Bruxelles, Jacques-Louis David exerça une influence considérable sur l'école belge ; il eut quelques brillants disciples, entre autres François Navez, qui a fait de lui un beau portrait (Bruxelles). 

Son œuvre est exposée dans la plupart des musées d'Europe et aux États-Unis, et pour une grande partie au musée du Louvre. Elle est constituée principalement de tableaux d'histoire et de portraits. Il fut un maître pour deux générations d’artistes, venues de toute l’Europe pour se former dans son atelier qui, à son apogée, comptait une quarantaine d’élèves, dont Girodet, Gérard, Gros et Ingres furent les plus réputés.

Il fut l’un des artistes les plus admirés, enviés et honnis de son temps, autant pour ses engagements politiques que pour ses choix esthétiques. Avec Ingres et Gros, il fait parti des principaux peintres du néoclassicisme

François, Gérard, en entier Baron François-Pascal-Simon Gérard, (né le 4 mai 1770 à Rome, États papaux [Italie] - décédé le 11 janvier 1837, Paris, France), est un peintre néoclassique surtout connu pour ses portraits de personnalités européennes, en particulier des personnalités marquantes du premier empire français et de la restauration. François Gérard est un des plus grands peintres du Premier Empire. Il conservera après la chute de Napoléon la confiance des Bourbons puis de Louis-Philippe.

Fils d'un fonctionnaire français en poste à Rome, François Gérard est né à Rome mais a suivi sa formation artistique à Paris sous la direction de David à partir de 1786.

Il a fait ses débuts au Salon de 1791 et, en tant que protégé de son maître Jacques-Louis David, a pu se consacrer pleinement à son art en obtenant un logement et un atelier au Louvre. Son œuvre Bélisaire, présentée au Salon de 1795, et le portrait de son ami Isabey l'année suivante marquèrent le début de sa carrière.
Il produisit des peintures et des portraits historiques et notamment les effigies officielles des souverains en 1805 et 1807, notamment de Bonaparte.

Pendant le règne de Napoléon, il est le maître incontesté du Portrait. Au Salon de 1808 il en expose 11 puis 14 en 1810. Chacun aspire désormais à poser dans son atelier. En 1814, trois têtes couronnées se rendent le même jour à l'atelier de Gérard : le roi de France Louis XVIII, le tsar Alexandre Ier et le roi de Prusse Frédéric Guillaume III. En combinant le raffinement du 18 ème siècle avec les codes de représentation les plus modernes, François Gérard a remporté un grand succès dans l’art du portrait. Entre 1796 et 1836, il réalisa plus de quatre-vingt portraits complets, dupliqués dans son atelier. Les réductions de ces peintures de l'artiste lui-même ou d'artistes de son atelier se trouvent à Versailles, qui les a acquises après sa mort.

François Gérard avait les qualités et les défauts d’un peintre de la cour à la mode. Il possédait beaucoup d'harmonie et de grâce, une grande touche de suavité, un coloris agréable et fin, une légèreté de pinceau, faite pour plaire. Il ne faut pas demander à ses œuvres la vivacité d'expression, la vigueur de modelé, le sentiment dramatique qui font la force de quelques portraitistes modernes. La couleur argentine de François Gérard devient quelquefois blafarde ; son exécution est mince et trop délicate. 

Élisabeth Vigée Le Brun (1755-1842)

Élisabeth Vigée Le Brun : Une Portraitiste de Génie

Élisabeth Vigée Le Brun (1755-1842) est l’une des plus grandes portraitistes de son temps, reconnue pour son talent exceptionnel et son influence durable dans le monde de l’art. Née à Paris, elle a su s’imposer dans un domaine dominé par les hommes et a laissé une empreinte indélébile sur l’histoire de l’art.

Un Talent Précoce

Dès son plus jeune âge, Élisabeth montre un talent remarquable pour le dessin et la peinture. Encouragée par son père, Louis Vigée, également peintre, elle développe rapidement ses compétences. Après la mort de son père, elle continue sa formation sous la tutelle de Gabriel-François Doyen et Gabriel Briard, deux peintres renommés de l’époque.

Une Carrière Exceptionnelle

En 1774, elle est admise à l’Académie de Saint-Luc, et en 1783, elle devient membre de l’Académie royale de peinture et de sculpture. Son style, mêlant rococo et néoclassicisme, séduit rapidement la haute société française. Elle devient la portraitiste attitrée de la reine Marie-Antoinette, réalisant de nombreux portraits de la souveraine et de sa famille.

L’Exil et la Reconnaissance Internationale

La Révolution française contraint Élisabeth Vigée Le Brun à quitter la France. Elle voyage à travers l’Europe, peignant pour les cours royales de Naples, de Vienne, de Saint-Pétersbourg et de Berlin. Partout où elle passe, elle est acclamée pour son talent et son habileté à capturer l’essence de ses sujets.

Un Héritage Durable

Élisabeth Vigée Le Brun a laissé derrière elle une œuvre riche et variée, composée de plus de 600 portraits et paysages. Ses autoportraits, notamment celui de 1790 où elle se représente avec sa fille, sont particulièrement célèbres. Elle a également écrit des mémoires, offrant un témoignage précieux sur sa vie et son époque.

Élisabeth Vigée Le Brun est une figure incontournable de l’histoire de l’art, dont l’héritage continue d’inspirer les artistes du monde entier. Son parcours exceptionnel et son talent indéniable font d’elle une véritable pionnière dans le domaine de la peinture.

Marie-Antoinette à la rose

Élisabeth Vigée Le Brun

Les Femmes Peintres sous la Révolution Française : Des Artistes Engagées

Pendant la Révolution française, les femmes peintres ont joué un rôle crucial et souvent méconnu dans le monde de l’art. Elles ont non seulement contribué par leurs œuvres, mais ont également milité pour les droits des femmes artistes. Parmi elles, Adélaïde Labille-Guiard se distingue particulièrement.

Adélaïde Labille-Guiard (1749-1803), une pionnière de son temps, a été l’une des premières femmes admises à l’Académie royale de peinture et de sculpture en 1783. Son tableau “Autoportrait avec deux élèves” (1785) est emblématique de son engagement pour l’éducation des femmes dans les arts. Ce portrait la montre entourée de deux de ses élèves, soulignant son rôle de mentor et son dévouement à la cause des femmes artistes.

Labille-Guiard n’était pas seulement une artiste talentueuse, mais aussi une fervente défenseuse des droits des femmes. Elle a plaidé pour leur accès à des formations artistiques et à des expositions, brisant ainsi les barrières dans un monde dominé par les hommes. Pendant la Révolution, elle a peint des portraits de figures révolutionnaires, utilisant son art pour soutenir la cause révolutionnaire.

D’autres femmes peintres de l’époque ont également marqué leur époque par leur talent et leur détermination. Elles ont contribué à façonner l’histoire de l’art et à ouvrir la voie aux générations futures de femmes artistes.

En somme, les femmes peintres sous la Révolution française ont non seulement enrichi le patrimoine artistique, mais ont aussi joué un rôle clé dans la lutte pour l’égalité des sexes dans le domaine des arts.

Leur héritage continue d’inspirer et de motiver les artistes d’aujourd’hui.

Marie-Guillemine Benoist : Une Pionnière de l’Art et de l’Égalité

Marie-Guillemine Benoist (1768-1826) est une figure emblématique de l’art français, particulièrement reconnue pour son engagement en faveur des droits des femmes et des personnes de couleur. Son œuvre la plus célèbre, “Portrait d’une négresse” (1800), est un témoignage poignant de son époque et de ses convictions.

Un Tableau Symbolique

Peint en 1800, “Portrait d’une négresse” représente une femme noire, possiblement une esclave affranchie nommée Madeleine. Ce tableau, exposé au Salon de 1800, est devenu un symbole de l’abolition de l’esclavage, décrétée en 1794 par la Convention nationale. La dignité et la sérénité de la femme représentée contrastent avec les stéréotypes de l’époque, offrant une vision humaniste et respectueuse de son modèle.

Un Engagement pour les Droits des Femmes

Marie-Guillemine Benoist a également été une fervente défenseuse des droits des femmes artistes. Elle a utilisé la bourse obtenue grâce à ce tableau pour ouvrir une école d’art réservée aux femmes, leur offrant ainsi des opportunités de formation et de reconnaissance dans un domaine dominé par les hommes.

Un Héritage Durable

L’œuvre de Benoist continue d’inspirer et de susciter l’admiration. Son “Portrait d’une négresse”, aujourd’hui conservé au Musée du Louvre, reste un témoignage puissant de son engagement pour l’égalité et la justice.

Marie-Guillemine Benoist est une figure incontournable de l’histoire de l’art, dont l’héritage perdure à travers ses œuvres et son combat pour les droits des femmes et des personnes de couleur.

Biographie

Ferdinand Hodler est sans doute encore aujourd'hui le peintre suisse le plus célèbre, portraitiste sans concession et un paysagiste hors pair. Souvent classé classé dans le courant symboliste, ses dernières œuvres, allant de 1900 à la fin de sa vie, se rapprochent des prémisses de l’art abstrait. 

Célébré par ses compatriotes, il est surtout connu à l'étranger par les spécialistes. Jusqu'ici, ses rétrospectives hors de son pays n'ont pas attiré la foule. En 1983, celle qu'organisait le musée du Petit-Palais, à Paris, a réuni à peine plus de 40 000 visiteurs, alors qu'à quelques pas, au Grand-Palais, près de 800 000 personnes défilaient devant les tableaux d'Edouard Manet.

C'est Paris qui lui offre sa première consécration en 1891 lorsqu'il y présente son tableau manifeste, La Nuit (1889-1890), interdit d’exposition pour inconvenance par la ville de Genève. Salué par Puvis de Chavannes, Rodin et la critique française, ce tableau lance la carrière internationale de Hodler et en fait un des représentants majeurs du symbolisme.

Ferdinand Hodler s'impose ainsi dès la fin des années 1890 comme le peintre national suisse par excellence. Dans sa peinture de paysage, il s'attache à magnifier la nature, et en particulier les montagnes, renouvelant profondément le genre. La fidélité à la topographie des lieux s'accompagne d'une stylisation rigoureuse, imposant Hodler comme un paysagiste hors pair, à l'égal de Cézanne.

En 1990, Hodler gagne une reconnaissance internationale lors de l’Exposition Universelle de Paris, où il reçoit une médaille d’or. Bien qu’Hodler reste relativement inconnu en-dehors de la Suisse, de l’Allemagne et de l’Autriche, de récentes expositions au Musée d’Orsay à Paris (2008) et à la Neue Galerie de New York (2012) lui apportent un succès international. 

Un siècle après sa mort, les prix des tableaux de Hodler sont pourtant internationaux. En juin 2007, le Lac Léman vu de Saint-Prex (1901) atteignait le record de 6,7 millions d’euros chez Sotheby’s à Zurich, dans une vente Swiss Art. 

Peintures Photos Expositions ...

 Musée des Beaux-arts de Tours

L’exposition présente une sélection de près d’une soixantaine de pièces d’artistes éminents du 18ᵉ siècle 

Anne Louis Girodet-Trioson

Charles Antoine Coypel

Etienne Louis Boullée

François Boucher 

Jean-Baptiste Greuze

Jean Honoré Fragonard

Gabriel de Saint-Aubin

Musée Solomon R. Guggenheim à New York

Vassily Kandinsky 

Composition VIII

1923

Il a trente ans lorsqu’il abandonne le droit pour s'orienter vers une carrière artistique ...

Il s’y engage avec  la conviction qu’une autre peinture est possible !!!

C’est ainsi que naît l’abstraction vers 1910 ...

Kandinsky ne se contente pas de peindre ; il est aussi Auteur ...

Publié en 1911, son ouvrage  "Du spirituel dans l’art et dans la peinture ..." allait exercer  une influence importante, notamment par sa tentative de concevoir une véritable grammaire des formes et des couleurs.

Sotheby's a mis en vente à Londres ce tableau de KANDINSKY, "Murnau avec église II"

Le tableau de 1910 a été adjugé 37,2 millions de livres (41,9 millions d'euros) et devient ainsi l'œuvre la plus chère de l'artiste aux enchères.

Musée du LOUVRE

 Dendérah  "Zodiaque"

L’archéologue Zahi Hawass et certains officiels du gouvernement égyptien réclament la restitution du Zodiaque de Dendérah, actuellement conservé au Louvre.

 L’Égypte remet en question le bien-fondé de son acquisition ...

Le Musée Français affirme que le "Zodiaque" est entré dans ses collections de manière tout à fait légale.

Fondation Gianadda

La Fondation Gianadda à Martigny, en Suisse, présente l'exposition « Turner. The Sun is God » où triomphent les paysages grandioses et les marines tragiques de Joseph Mallord William Turner.

Joseph Mallord William Turner

Départ pour le bal (San Martino)

exposée en 1846

Joseph Mallord William Turner, plus connu sous le nom de William Turner ou J. M. W. Turner,

est un peintre, aquarelliste (1775 - 1851)

                  Musée d'Orsay

Paul Cézanne

Les Joueurs de Cartes

Paul Cézanne étai l'un des précurseurs du post impressionnisme et du cubisme.

Il existe 5 versions de ce tableau dont la dernière a été vendue pour 191,5 millions d'euros !

Visible au Musée d'Orsay

Suzanne VALADON

Peintures Photos Expositions 

CENTRE POMPIDOU - METZ

Suzanne (Marie-Clémentine de son prénom) VALADON était acrobate de cirque jusqu’à ce qu’une chute mette fin prématurément à cette activité.

La beauté attire le regard des artistes et, devenue leur modèle, elle les observe en posant et apprend ainsi leurs techniques.

Elle est aussi l'amante, la maîtresse de "nombreux" Artistes comme Auguste RENOIR ...

Album Suzanne VALADON : Peintures Photos Expositions 

Suzanne VALADON

Musée d'Orsay

Difficile de rater cet immense tableau (1,31 mètre de hauteur et 1,75 mètre de largeur !)

Musée d'Orsay

Le Bal du Moulin de la Galette est une huile sur toile de 1876 peinte par Auguste RENOIR

Peintre impressionniste

Paul GAUGUIN et Van GOGH  / En 1888, les deux artistes se lient d’une profonde amitié. Ils cohabitent deux mois à Arles. Entre absinthe et peinture, ils mènent une vie tumultueuse et agitée. Mais tout les oppose ! Van Gogh, très productif, peint d’après la nature tandis que Gauguin a recours à son imagination. Le 23 décembre 1888, une violente altercation éclate et Van Gogh menace même Gauguin avec un couteau. C’est dans cette fameuse nuit que Van Gogh se tranchera l'oreille à l’aide d’une lame de rasoir. Le lendemain, Paul Gauguin quitte Arles.

(Van Gogh lui écrira régulièrement, puis se donnera la mort ?)

Paul GAUGUIN avait horreur du colonialisme et de la philosophie occidentale pourtant il va vivre à Papeete ... Ainsi comme de nombreux colons célibataires, il fréquente les jeunes filles de l’île pour qu’elles prennent soin de lui et finit par adopter les comportements qu’il dénonçait autrefois.

Paul Gauguin se sent souvent seul, incompris, et compare souvent sa douleur et son fardeau à ceux du Christ. Il s’attribue d’ailleurs quelques fois les traits de Jésus.

A la fin de sa vie ; Déprimé et malade, il se laisse aller à la débauche,

Musée du Louvre

Un de ses premiers admirateurs fut le roi François Ier.

Ce dernier, qui invite Léonard de Vinci en France, lui achète le tableau en 1518.

C'est ainsi que l'œuvre est entrée dans les collections royales qui sont exposées au 

Musée du Louvre depuis la Révolution.

Musée d'Orsay 

« N'oublions pas que les petites émotions sont les grands capitaines de nos vies et qu'à celles-là nous y obéissons sans le savoir. » Vincent Van Gogh

Le Musée d'Orsay compte l'un de ces autoportraits et probablement le plus célèbre ...

Van Gogh s'est peint plus de 40  fois et ses peintures le représentent du côté gauche ;

c'est à dire le côté où l'on ne peut pas voir son oreille mutilée

"On dit, et je le crois volontiers, qu'il est difficile de se connaître soi-même,

mais il n'est pas non plus aisé de se peindre soi-même". Vincent Van Gogh

Sa peinture reflète ses recherches et l'étendue de ses connaissances artistiques. Toutefois, sa vie est parsemée de crises qui révèlent son instabilité mentale !

Une crise provoque son suicide à l'âge de 37 ans !

Il existe une version aussi à prendre au conditionnel qui avance l'idée qu'il aurait pu être victime d'un accident face à deux "enfants" ou "adolescents" jouant avec une arme à feu ?

Le Déjeuner sur l'Herbe / Édouard Manet

Le tableau  "Le Déjeuner sur l'Herbe" du peintre Édouard Manet est un chef d'œuvre qui a été achevé en 1863.

Cette huile sur toile s'appelait à l'origine "Le Bain", puis s'est intitulée "La Partie Carrée" avant de prendre son nom final.

Au XIXème siècle, représenter une femme nue dans un endroit public a déclenché un scandale terrible dans la société Parisienne ! 

L’ART COMME VOUS NE LE VERREZ NULLE PART AILLEURS

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Toulouse-Lautrec est né dans une famille de très ancienne noblesse.

Deux accidents empêchèrent le développement de ses jambes et lui ôtèrent toute possibilité de mener par la suite cette vie mondaine qu'il affectionnait ...

(En 1874, Toulouse-Lautrec, alors âgé de 10 ans, tombe malade :il est atteint d'une maladie génétique due à la consanguinité de ses parents. Cette maladie retarde fortement sa croissance, après qu'il ait fait une chute et que ses os ne puissent pas se ressouder correctement.)

Claude MONET, le premier des impressionnistes !

La première expérience picturale a lieu au Havre.

Eugène Boudin et Johan Joncking lui apprennent à peindre en plein air.

Sont présents ses amis de l'étude de l'académie de Charles Gleyre ; Renoir, Bazille et Sisley ...

Léon MONET, le Frère, le Mécène ...

Ce frère joua un rôle de mécène au plus près des impressionnistes comme bien sûr Claude MONET mais aussi Camille PISSARO et Alfred SILLEY !

Il leur acheta des centaines de toiles ...

Ce collectionneur possède même des RENOIR et aussi des estampes japonaises ...

Les Premiers pas. L'habileté dont Henri MATISSE fait preuve dans ses premières œuvres s'explique en partie par le fait qu'il est un exemple de vocation tardive, puisque dans sa jeunesse et en tant qu'assistant d'avocat, il tombe malade de l'appendicite en 1890. 

Alors qu'il est en convalescence, une boite de couleurs lui tombe entre les mains.

Il avait 21 ans à l'époque.

Sa réaction est immédiate ; il abandonne le droit et s'inscrit à l'Académie JULIAN ou il reçoit l'éducation de William BOUGUEREAU...

Mais il est allé voir Gabriel FERRIER qui enseignait le modéle vivant...

Et enfin MATISSE trouve le Professeur idéal pour lui ; Gustave MOREAU qui l'emmène dans son atelier oui il rencontrera :

MANGUIN, CAMOIN, DERAIN, MARQUET...

Dominique TERNIER

Si les Hommes étaient réellement plus heureux,

ils ne seraient pas remplis d'envie, de rage, de haine et d'esprit destructeur.

                                                                                                                                                                                                                                                                      Dominique TERNIER

Dans le MAGAZINE JOURS DE FRANCE (TOUTE LA SUISSE) N° 38

SEMAINE du 30 juillet AU 5 AOUT 1955 ...

RENOIR, paralysé, travaillait dans le jardin des Colettes, un pinceau fixé à ses doigts :

"Ce qu'il y a de vivant en moi s'en va vers cette lumière vibrante, vers tout ce qui est beau."

Pablo PICASSO est né le 25 octobre 1881 à Malaga en Andalousie.

Il passera une partie de son enfance dans cette ville.

Son Nom :

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Martyr Patricio Clito Ruíz y Picasso.

L’année 2023 célèbrera les 50 ans de la mort de l’un des artistes les plus célèbres au monde : le peintre Pablo Picasso. Celui qui est né à la fin du XXème siècle à Malaga aura eu une existence rythmée par l’art et une envie de donner davantage à son public. Afin d’en savoir plus sur cet artiste complet et énigmatique, nous vous proposons de découvrir 10 anecdotes créatives que vous ignorez probablement sur Pablo Picasso en collaboration avec l’Office du Tourisme d’Espagne.

L’ART COMME VOUS NE LE VERREZ NULLE PART AILLEURS

La STORY de Titi raconte l’art d’hier, d’aujourd’hui et de demain.

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La reconnaissance de l'Artiste Peintre Femme 

Au cours de la Préhistoire et de l'Antiquité, la femme était représentée soit comme une Déesse, soit comme une Héroïne !

Les Peintures rupestres étaient pour la plupart des œuvres de Femmes Artistes.

Dans l'Antiquité Occidentale, nous retrouvons des noms d'artistes féminines citées comme artistes célèbres telles que Lala de CYZIQUE "LALA DE CYZIQUE v. 74 av. J.-C. " reconnue à Rome pour ses portraits de femmes, qui se vendaient plus cher que certaines œuvres de ses confrères masculins !

Puis l'art se ferma aux femmes !

Ce n'est qu'au XVIème" siècle que quelques Femmes vont se faire un NOM.